Das Rokoko war der leichte, ornamentale Stil, der im frühen 18. Jahrhundert in Paris aus dem späten Barock hervorging und sich über Europa verbreitete, bis ihn in den 1780er Jahren der Klassizismus verdrängte. Seine Bilder bevorzugen Pastelltöne, schwingende, asymmetrische Kurven und intime Szenen von Liebe, Muße und Mythologie in Parks und Privatgemächern. Die Zeitgenossen sprachen vom Rocaille-Stil, nach dem Muschel- und Kieselwerk künstlicher Gartengrotten. Das Wort Rokoko entstand als spöttische Abwandlung dieses Begriffs; geprägt hat es Pierre-Maurice Quays, ein Schüler von Jacques-Louis David. Gedruckt erschien es zuerst 1825 als Schimpfwort, als Epochenbegriff setzte es sich erst um die Mitte des 19. Jahrhunderts durch.
Nach dem Tod Ludwigs XIV. 1715 verbrachte der Hof den größten Teil der Regentschaft in Paris, und der Adel baute Stadtpalais mit kleineren Räumen für das Gespräch. Maler schmückten die verspiegelten Salons mit Supraporten und Wandfeldern in vergoldeten, geschwungenen Rahmen. Der Salon de la Princesse im Hôtel de Soubise (1735-1740) mit Gemälden von Charles-Joseph Natoire ist vollständig erhalten. Statt der dunklen Kontraste und strengen Symmetrie des Barock zeigen diese Bilder Cremetöne, Hellblau und Perlgrau, rosiges Inkarnat und weiches, gleichmäßiges Licht.
Antoine Watteau schuf die ersten großen Gemälde des Stils. 1717 nahm die Königliche Akademie seine „Einschiffung nach Kythera“ (Louvre) an und verzeichnete sie unter einer neuen Gattung, der Fête galante. Paare in schimmernder Seide ziehen unter federleichten Bäumen zu einem vergoldeten Boot, in dunstigem, goldenem Licht. Watteau malte auch Schauspieler der italienischen Komödie, so im „Pierrot“ (um 1718-1719, Louvre), und für seinen Kunsthändler „Das Ladenschild des Gersaint“ (1720, Schloss Charlottenburg, Berlin). Er starb 1721. Sein einziger Schüler, Jean-Baptiste Pater, und Nicolas Lancret führten die Fête galante weiter.
François Boucher (1703-1770) führte die nächste Generation an und war der Lieblingsmaler der Madame de Pompadour, der Mätresse Ludwigs XV. Seine „Diana nach dem Bade“ (1742, Louvre) setzt perlmuttfarbene Akte vor blaugrünes Laub und Seide. Er entwarf auch Tapisserien, Modelle für Porzellan und Bühnenbilder für die Pariser Oper und wurde 1765 Erster Maler des Königs. Auf seinem Bildnis der Madame de Pompadour (1756, Alte Pinakothek, München) ruht sie mit einem Buch in einem meergrünen, mit Rosen besetzten Kleid. Das Pastell kam demselben Geschmack entgegen. Die Venezianerin Rosalba Carriera wurde 1720-1721 in Paris gefeiert, und Maurice Quentin de La Tour stellte Madame de Pompadour in ganzer Figur dar (1748-1755, Louvre).
Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), der kurz bei Boucher gelernt hatte, malte mit raschen, flackernden Strichen. In der „Schaukel“ (1767, Wallace Collection, London) schleudert eine junge Frau in rosa Seide ihren Pantoffel über einen versteckten Verehrer, während ein älterer Mann sie aus dem Schatten anschwingt. Der Dramatiker Charles Collé notierte in seinem Tagebuch, ein Höfling habe dieses Thema zuerst dem Maler Gabriel-François Doyen angetragen, der jedoch abgelehnt habe.
Außerhalb Frankreichs erreichte der Stil seine größten Dimensionen an den Decken von Palästen und Kirchen. Der Venezianer Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) arbeitete 1750-1753 mit seinem Sohn Giovanni Domenico in der Würzburger Residenz. Über dem großen Treppenhaus malte er Apollo über den Personifikationen der vier Erdteile. Später schmückte er den Königspalast in Madrid, wo er starb. In Bayern öffnet sich das Gewölbe der Wieskirche (1745-1754), ausgemalt von Johann Baptist Zimmermann, in einen von Engeln durchflogenen Himmel. In Großbritannien pries William Hogarth in seiner „Zergliederung der Schönheit“ (1753) die S-förmige Schönheitslinie, und Thomas Gainsborough malte „The Blue Boy“ (um 1770, Huntington Library, San Marino) in federleichten Strichen blauer Seide.
Die Ausgrabungen in Herculaneum ab 1738 und in Pompeji ab 1748 weckten neues Interesse an der Antike. Um 1750 schickte Madame de Pompadour ihren Bruder, den späteren Marquis de Marigny, mit dem Kupferstecher Charles-Nicolas Cochin nach Italien; Cochin griff danach Bouchers kleinteilige Manier an. Denis Diderot klagte, Boucher besitze alle Gaben außer der Wahrheit. Madame du Barry wies Fragonards Folge „Der Fortschritt der Liebe“ (1771-1773, Frick Collection, New York) zurück und bestellte stattdessen klassische Szenen bei Joseph-Marie Vien. Als Jacques-Louis David im Salon von 1785 den „Schwur der Horatier“ zeigte, war das Rokoko in Frankreich aus der Mode.
