Die Jungfrau im Gebet, um 1640/50, von Giovanni Battista Salvi Sassoferrato
Kunstdruck auf Leinwand - 4023-SSG

Ihre Augen sind fast geschlossen, der Kopf gerade so weit geneigt, dass das Licht den Nasenrücken und die Wölbung der Wange streift. In der Mitte der Leinwand treffen sich die Hände zum Gebet, die Fingerspitzen berühren einander, die Handflächen ruhen leicht aufeinander. Um sie herum baut Sassoferrato eine ganze emotionale Welt aus nur drei Farben auf: Ultramarinblau, Elfenbeinweiß und ein tiefes Korallenrot, das nur an den Manschetten, am Mieder und in einer einzigen dramatischen Falte über der Vorderseite des Gewandes hervortritt.

Dieses Blau leistet Außergewöhnliches. Aus Lapislazuli gewonnen, das in den Bergen Nordostafghanistans abgebaut wurde, war Ultramarin das teuerste Pigment, das ein Maler des siebzehnten Jahrhunderts auf eine Tafel bringen konnte – und hier verdient es jeden einzelnen Scudo. Vor dem warmen Schwarz des Hintergrunds scheint der Mantel von innen zu leuchten, fast zu vibrieren. Der weiße Schleier fällt in schweren, skulpturalen Falten über Schultern und Brust, und der Maler behandelt ihn mit einer solchen Zurückhaltung, dass man das Gewicht des Leinens spürt, seine Kühle auf der Haut.

Betrachten Sie die Stelle, an der die Daumen den Saum des Schleiers berühren. Dort gibt es eine winzige Passage, in der der cremefarbene Stoff auf das rosige Inkarnat der Hände trifft, und der Übergang gelingt ohne sichtbaren Pinselstrich – ein Ton geht einfach in den nächsten über. Das ist das Erbe Raffaels, den Giovanni Battista Salvi (so der Geburtsname des Malers; Sassoferrato bezieht sich auf seinen Geburtsort in den Marken) mit der Hingabe eines spät geborenen Bewunderers studierte. Er arbeitete um 1640 bis 1650, mitten im römischen Barock, und wandte sich doch von den Theatralien seiner Zeitgenossen ab. Keine wirbelnden Engel, keine geöffneten Wolken. Die Sanftheit Guido Renis liegt vielleicht in der Luft, der Geist aber gehört einem früheren, stilleren Jahrhundert.

Was mich vor diesem Bild in der National Gallery in London am meisten berührt, ist, wie sich der dunkle Hintergrund weigert, sich wie eine Wand zu verhalten. Er wirkt weniger wie Begrenzung als wie Stille – jene Art von Schweigen, das man in einer Seitenkapelle findet, wenn die Hauptmesse vorüber ist. Maria ist allein mit ihren Gedanken, und wir sind, beinahe versehentlich, in denselben Raum der Ruhe eingelassen worden.

Sassoferrato schuf mehrere Variationen dieses Themas, manchmal mit frontal gerichteter Maria, manchmal mit nach oben gewandtem Blick, manchmal in blaues Tuch gehüllt. Private Sammler wünschten sich solche Bilder für Schlafzimmer und kleine Oratorien, für jene persönliche Andacht, die die nachtridentinische Kirche förderte. Diese Intimität ist in das Format und die Stille eingeschrieben.

Man könnte sich vorstellen, sie sei im Begriff zu sprechen, oder habe gerade geendet. Das Gemälde hält diesen schwebenden Augenblick fest, ohne ihn je aufzulösen – und genau deshalb kehren die Menschen immer wieder zu The Virgin in Prayer zurück.