Gustave Caillebotte Giclée Kunstdrucke 1 von 6

Bis zur Hüfte entkleidet, hobeln drei Arbeiter die Dielen einer Pariser Wohnung. Das Licht fängt sich auf ihren gekrümmten Rücken, die Späne kringeln sich in Bändern zu ihren Knien, und die ganze Szene - in beinahe fotografischer Genauigkeit ausgeführt - kündigt einen neuen Blick im Kreis der Impressionisten an. Dieser Blick gehörte Gustave Caillebotte (1848 - 1894), einem französischen Maler, dessen Vermögen, Unabhängigkeit und unbeirrbare Treue zur Wirklichkeit seinen Platz in der Geschichte der modernen Kunst zugleich verdunkeln und sichern sollten.

Caillebotte wurde am 19. August 1848 in ein wohlhabendes Pariser Haus in der Rue du Faubourg-Saint-Denis hineingeboren. Sein Vater Martial hatte eine Militärtextilfirma geerbt und saß als Richter am Tribunal de commerce de la Seine; seine Mutter Céleste Daufresne gebar drei Söhne, von denen Gustave der älteste überlebende war. Den juristischen Abschluss erlangte er 1868, die Zulassung zur Anwaltschaft 1870, und daneben ließ er sich zum Ingenieur ausbilden. Der Krieg unterbrach diesen Weg. Eingezogen zur Garde Nationale Mobile de la Seine, diente er von Juli 1870 bis März 1871 im Deutsch-Französischen Krieg - und nach eigener Auskunft begann er in ebendiesen Monaten zu malen.

Nach Paris zurückgekehrt, trat er in das Atelier von Léon Bonnat ein, dem gesuchten Gesellschaftsporträtisten. 1873 schrieb er sich an der École des Beaux-Arts ein, fand deren Reglement jedoch offenkundig wenig brauchbar, und sein Vater ließ ihm im Familienhaus ein eigenes Atelier errichten. Um diese Zeit lernte er Edgar Degas und den italienischen Emigranten Giuseppe de Nittis kennen; die erste Impressionisten-Ausstellung von 1874 besuchte er, ohne dort selbst auszustellen. Der Tod seines Vaters im selben Jahr brachte ihm ein erhebliches Erbe; der Tod seiner Mutter vier Jahre später verteilte das übrige Familienvermögen unter den überlebenden Söhnen.

Die zweite Impressionisten-Ausstellung von 1876 wurde sein öffentliches Debüt; acht Leinwände hängte er dort. Darunter befand sich Les raboteurs de parquet (Die Parkettabzieher, 1875), im Vorjahr vom Salon abgelehnt. Den Kritikern galt das Sujet - städtische Arbeiter, entkleidet, beim Abziehen des Bodens im Atelier des Künstlers selbst - als unzulässig vulgär. Bauern auf dem Feld waren der akademischen Vorstellung zumutbar, Handwerker in einer bürgerlichen Wohnung nicht. Schon 1877 hatte Caillebotte das organisatorische Rückgrat des impressionistischen Unternehmens übernommen: er mietete die Räume, bestimmte die Hängung, glich die Temperamente seiner Kollegen aus. An fünf der acht Impressionisten-Ausstellungen nahm er teil, ehe er sich zurückzog.

Seine Handschrift lässt sich nicht knapp zusammenfassen. Mal arbeitete er im dichten, tonalen Realismus eines Degas, mal lockerte er den Pinsel zum optischen Flirren Renoirs und Pissarros hin, stets jedoch in kühleren Farbwerten. Beständig blieb seine Faszination für die Perspektive. Angeschnittene Vordergründe, stürzende Pflaster, schwindelige Dächer - Blick auf die Dächer (Schnee) von 1878, Boulevard von oben gesehen und Eine Verkehrsinsel von 1880 - verraten ein Auge, geschult am japanischen Holzschnitt und, womöglich, an der neuen Kamera. Ob er tatsächlich selbst fotografierte, bleibt ungewiss. Unverkennbar ist so oder so der geneigte Bildboden, den er bevorzugt.

Das berühmteste seiner Stadtbilder, Pariser Straße; Regentag (1877), besitzt eine seltsame, fast filmische Stille. Seine Figuren treten unter Schirmen auf den Betrachter zu, das nasse Kopfsteinpflaster der Place de l'Europe spiegelt einen silbernen Himmel; die flächige, gesättigte Farbe und die harten Kanten nehmen, ein halbes Jahrhundert im Voraus, die Stimmung eines Edward Hopper vorweg. Die Europabrücke von 1876 blickt entlang einer eisernen Spannweite, über die ein Herr im Zylinder mit seinem Hund flaniert. Mann auf einem Balkon (1880) drängt den Betrachter neben seine Figur an die Balustrade. Neben diesen Großstadtbildern malte Caillebotte stillere Interieurs - Junger Mann am Fenster (1876) zeigt seinen Bruder René, wie er auf die Rue de Miromesnil hinabblickt; Porträts auf dem Land (1875) versammelt seine Mutter, Tante und Cousine im Garten von Yerres.

Rudern, Baden und die Muße am Fluss beschäftigten ihn ebenso, besonders in Ruderer im Zylinder, auch bekannt als Partie de bateau (1877), das er zur vierten Impressionisten-Ausstellung 1879 einreichte. Hinzu kommen Stillleben mit Früchten und Fleisch aus der Metzgerei, eine späte Folge von Blumenbildern und eine Handvoll männlicher Akte - darunter Homme au bain (1884) -, die in ihrer offenen, häuslichen Intimität verstören. 1881 erwarb er ein Anwesen in Petit-Gennevilliers an der Seine, und 1888 zog er endgültig dorthin. Auf seiner eigenen Werft baute er Jachten, fuhr Regatten und gewann. Renoir kam oft zu Besuch, und die beiden sprachen bis tief in den Abend über Kunst und Politik. Er heiratete nicht, doch seine lange Bindung an Charlotte Berthier, elf Jahre jünger und aus bescheidenen Verhältnissen, sollte in seinem Testament Niederschlag finden.

Am 21. Februar 1894 brach er in seinem Garten zusammen und starb an einer Lungenstauung. Er war fünfundvierzig. Beigesetzt wurde er auf dem Père-Lachaise, und jahrzehntelang blieb sein Ruf im Schatten jener Freunde, die er gefördert hatte. Überzeugt seit seinen Zwanzigern, nach dem frühen Tod seines Bruders René, sein eigenes Leben werde kurz bleiben, hatte er ein ungewöhnliches Testament verfasst. Dem französischen Staat vermachte er achtundsechzig impressionistische Gemälde - Monets, Renoirs, Pissarros, Sisleys, Degas, Cézannes, Manets - mit der Auflage, sie zunächst im Luxembourg und später im Louvre zu zeigen. Die Verhandlungen waren mühsam; erst 1897 gelangten achtunddreißig Werke unter Renoirs Testamentsvollstreckung in das Musée du Luxembourg. Diese Hängung wurde dennoch zur ersten öffentlichen Präsentation des Impressionismus in einem französischen Museum.

Die Würdigung seines eigenen Schaffens ließ auf sich warten. Erst 1964, als das Art Institute of Chicago Pariser Straße; Regentag erwarb, begannen amerikanische Wissenschaftler und Kuratoren, ihn mit neuen Augen zu betrachten. Zum hundertsten Todestag wanderte 1994 eine Retrospektive vom Grand Palais nach Chicago und Los Angeles - die erste umfassende internationale Werkschau und eine späte Antwort an die Generation, die ihn übergangen hatte. 2022 erklärte der französische Staat Partie de bateau zum nationalen Kulturgut und schickte es auf Tour durch Lyon, Marseille und Nantes, ehe es in die Ausstellung Caillebotte: Männer malen im Musée d'Orsay 2024 einging, die weiter ans Getty und ans Art Institute of Chicago reiste. Vielleicht musste so viel Zeit vergehen, damit sein stilles Beharren - Männer bei der Arbeit, Männer in Muße, Männer, die andere Männer betrachten - als Gegenstand gelesen werden konnte und nicht als Ausnahme.

Was in seinen besten Bildern nachklingt, ist eine eigentümliche Zartheit der Beobachtung. Die Arbeiter beugen sich, der Flaneur hält inne, der Ruderer legt sich in den Schlag, und keiner von ihnen spielt eine Rolle. Er sah auf seine eigene Klasse ohne Schmeichelei, auf die arbeitende Welt ohne Herablassung - und bezahlte dabei die Ateliermieten der Impressionisten. Es ist eine seltsame, zurückhaltende Laufbahn, und gerade in ihrer Zurückhaltung gibt sie immer wieder mehr zu erkennen.