Abstrakte Kunstdrucke

Abstrakte Malerei baut Bilder aus Farbe, Form und Linie mit wenig oder keinem Bezug auf sichtbare Dinge und bricht mit der illusionistischen Perspektive, der die westliche Kunst seit der Renaissance gefolgt war. Die Abstraktion reicht vom Teilweisen, bei dem Farbe oder Form auffällig verändert werden wie im Fauvismus und Kubismus, bis zum Vollständigen, bei dem nichts Erkennbares bleibt. Ihre Hauptströmungen sind die geometrische Abstraktion, vom Suprematismus und Neoplastizismus bis zur Hard-Edge-Malerei und Op-Art, und die gestische oder lyrische Abstraktion, von Kandinskys Improvisationen bis zum Abstrakten Expressionismus und zur Farbfeldmalerei. Verwandte Begriffe sind ungegenständliche, nichtfigurative und gegenstandslose Kunst.

Vorbereitet wurde der Weg im 19. Jahrhundert, als William Turner und die Impressionisten den Blick vom Gegenstand auf Licht und Empfindung lenkten. James McNeill Whistlers „Nocturne in Schwarz und Gold: Die fallende Rakete“ (Detroit Institute of Arts), ein Nachthimmel voller Funken, brachte John Ruskin dazu, ihm vorzuwerfen, er schleudere dem Publikum einen Farbtopf ins Gesicht; im Verleumdungsprozess von 1878 erhielt Whistler einen Farthing Schadenersatz. Paul Cézannes Rat, die Natur durch Zylinder, Kugel und Kegel zu behandeln, führte zum Kubismus, während die freie Farbe der Fauves unmittelbar in Kandinskys Werk einging. Theosophie und andere spirituelle Lehren ermutigten mehrere Pioniere, hinter den Erscheinungen eine innere Wirklichkeit zu suchen.

Mehrere Maler gingen fast gleichzeitig zur völligen Abstraktion über. In Stockholm begann Hilma af Klint 1906 ihre abstrakten „Gemälde für den Tempel“, hielt sie aber unter Verschluss; breit bekannt wurden sie erst Jahrzehnte nach ihrem Tod. Wassily Kandinsky, der als Laie Cello und Klavier spielte und Farben mit musikalischen Tönen verglich, veröffentlichte 1911 „Über das Geistige in der Kunst“; sein erstes abstraktes Aquarell (Centre Pompidou, Paris) trägt die Jahreszahl 1910, entstand aber wohl 1913. 1912 zeigte František Kupka „Amorpha, Fuge in zwei Farben“ (Nationalgalerie Prag), und der Dichter Guillaume Apollinaire prägte für die Kunst Kupkas, Robert Delaunays und anderer den Namen Orphismus, eine Malerei aus Formen, die der Künstler erfindet, statt sie dem Sehen zu entnehmen.

In Russland bauten Natalja Gontscharowa und Michail Larionow rayonistische Bilder aus Linien wie Lichtstrahlen, und Kasimir Malewitsch begründete den Suprematismus mit dem „Schwarzen Quadrat“ (1915, Tretjakow-Galerie, Moskau), das er auf der Ausstellung 0,10 in Petrograd wie eine Ikone hoch in eine Raumecke hängte. Nach 1917 forderten Wladimir Tatlin und die Konstruktivisten, die Kunst solle ins tägliche Leben eingehen; Warwara Stepanowa und Alexandra Exter verließen die Staffelei für Theater und Grafik, während Malewitsch, Naum Gabo und Antoine Pevsner die Kunst als geistige Tätigkeit verteidigten. Viele von ihnen emigrierten, und in den 1930er Jahren war nur noch der Sozialistische Realismus erlaubt.

In den Niederlanden reduzierte Piet Mondrian die Malerei zwischen 1915 und 1919 auf schwarze waagerechte und senkrechte Linien, die Farbrechtecke umschließen, so in „Komposition mit Gelb, Schwarz, Blau, Rot und Grau“ (1921, Art Institute of Chicago); mit Theo van Doesburg und der Gruppe De Stijl nannte er dies Neoplastizismus. In Deutschland beschäftigte das 1919 von Walter Gropius in Weimar gegründete und 1925 nach Dessau verlegte Bauhaus Paul Klee, Kandinsky und Josef Albers, bis es Anfang der 1930er Jahre auf Druck der Nationalsozialisten schließen musste. Die Ausstellung „Entartete Kunst“ von 1937 verfemte die Avantgarde, und Paris, seit 1931 Sitz der Gruppe Abstraction-Création, bot vielen Künstlern Zuflucht, bevor sie nach London und New York weiterzogen.

Anfang der 1940er Jahre lebten Exilanten wie Mondrian, Max Ernst und André Breton in New York, und Lehrer wie Hans Hofmann verbanden sie mit jüngeren Amerikanern. Die Abstrakten Expressionisten der New York School folgten zwei Richtungen. Jackson Pollock legte die Leinwand auf den Boden und goss und tropfte die Farbe darüber, so in „Autumn Rhythm (Number 30)“ (1950, Metropolitan Museum of Art), und 1952 nannte der Kritiker Harold Rosenberg solche Werke Action Painting; auch Willem de Kooning und Franz Kline bauten ihre Bilder aus der Geste selbst. Mark Rothko, Barnett Newman und Helen Frankenthaler breiteten dagegen weite Farbfelder aus, vom einzelnen senkrechten Streifen in Newmans „Onement 1“ (1948, Museum of Modern Art, New York) bis zu Rothkos sanft schwebenden Rechtecken der frühen 1950er Jahre.

Ab den späten 1950er Jahren behandelten Frank Stellas Streifenbilder und der Minimalismus das Bild als Objekt, Hard-Edge-Maler schärften die flache Farbe und die Op-Art brachte das Auge zum Flimmern, während Joan Mitchell, Cy Twombly und Lee Krasner, etwa in „Rising Green“ (1972, Metropolitan Museum of Art), die freie Geste lebendig hielten. Vor einem abstrakten Bild lohnt der Blick darauf, wie Farben einander vor- und zurückdrängen, ob Kanten scharf sind oder verschwimmen, was die Oberfläche von Pinsel, Spachtel oder Guss bewahrt und wie das Format wirkt: Viele Leinwände der Nachkriegszeit wollen aus der Nähe gesehen werden und füllen das ganze Blickfeld.